martes, 30 de septiembre de 2008

Judi Chicago: La Cena está servida



Dentro de la corriente feminista de los años 60 y 70, una de las figuras más destacadas fue Judi Chicago -Judi Cohen- (Chicago, 1932), quien con su personalidad y la fuerza de su obra, trascendió la frontera del arte con sus planteamientos conceptuales sobre la dominación patriarcal y la identidad de la mujer.

Entre sus piezas, la más conocida es "La Cena" (The Dinner Party), que destacaba el papel tradicional femenino a través de enormes manteles bordados, platos meticulosamente servidos y sobre todo con la preciosidad en los detalles de la instalación y en la cual precisamente muchas voluntarias contribuyeron a su terminación.

Sus planteamientos fueron avalados por unos y cuestionados por otros, pero lo que no cabe dudas es que la obra de Judi Chicago sentó un precedente importante en el arte y en la sociedad posterior. Y nos dejó servido para siempre una apetecible cena: histórica y genial.

Imagen:
La Cena (The Dinner Party). 1979, Judi Chicago.
Brooklyn Museum, New York, USA.
Tomado de Archivo de imágenes de www.greenwichacademy.org

Enlaces relacionados:
www.judychicago.com

Judi Chicago en Wikipedia >>

lunes, 29 de septiembre de 2008

George Segal: Destino y soledad





En la lectura del arte del siglo XX, uno de los escultores imprescindibles es sin dudas George Segal (New York, 1924-2000). Con una poética callejera y cercana al entorno menos favorecido por las grandes urbes, sus personajes fríos y toscos creados con moldes de yeso al natural se hicieron notorios rápidamente, considerándose de hecho un antecedente importante para el arte Pop que llenaría las galerías en años posteriores.

Sus piezas son una pausa, un instante en las personas cotidianas casi siempre incomunicadas, distantes y anónimas, incluso cuando más adelante fue incorporando color tanto a los objetos y situaciones de su entornos como monocromos a las propias figuras.

El existencialismo presente en las obras de George Segal, enredan y comprometen al espectador en el tejido de su época. De ahí que a sus instantáneas le queden mucho de vida.

Imágenes:
01 -"Depression Bread Line", 1999. Bronce. George Segal.
Fotografía: sgclark. Tomado de Flickr
02 -
"Gay Liberation", Sharidan Square, NY. George Segal
Fotografía: pundit. Tomado de Wikipedia


Enlaces relacionados
www.segalfoundation.org

George Segal en Wikipedia (inglés) >>

domingo, 28 de septiembre de 2008

Saatchi Gallery Online



Una de las grandes galerías del mundo que apuesta por el arte nuevo, es la Saatchi Gallery de Londres. En sus espacios se expone la más joven vanguardia del arte británico e internacional.

No obstante, si por algo ha despertado el interés en los últimos años es por su Galería Online, un gran escaparate de promoción y venta de todos los artistas del mundo. Existen muchos webs, portales y galerías online dedicadas al arte, pero la Saatchi Gallery Online es probablemente la que más lejos ha podido llegar. El prestigio de su museo y la enorme cantidad de portafolios de pintura, escultura, fotografía, arte digital, entre otros que se agregan diariamente, le ha permitido establecerse con jerarquía sobre los demás, al mismo tiempo que galeristas, coleccionistas, interesados o curiosos, se interesen por las obras que ahí se muestran. Cualquier artista puede subir sin costo alguno sus obras en un ejercicio democrático poco común en galerías de su renombre.

Si tienes interés en promocionar tu obra, no dudes en inscribirte ahora mismo en Saatchi Online.



Enlaces relacionados:
www.saatchi-gallery.co.uk
Saatchi Gallery en Wikipedia >>


Imágenes:
01- Captura web Saatchi Gallery
02- Foto fachada edificio Saatchi Gallery. Londres

sábado, 27 de septiembre de 2008

artetunero: Yamila Comas







En esta primera reseña del arte joven tunero quiero comentarles particularmente de Yamila Comas (1974), una de las más sobresalientes figuras de la pintura que en días recientes ha inaugurado exposición personal en las paredes de la galería de la UNEAC de la ciudad. Su obra la he visto crecer entre periodos largos de tiempo, y he podido comprobar la seriedad con que la asume y la personalidad que ha logrado insertarle a sus piezas.

Cada una de ellas parece contarnos una historia, son pequeños relatos infinitos cargados de simbolismo en espacios inusuales. Son metáforas extrañas de lo humano, lo divino, la soledad y la compañía, de las contradicciones de lo sensual y sexual. Sus protagonistas son por lo general figuras hieráticas que transmiten el sinsabor de la tristeza y el sufrimiento femenino a través de un tratamiento "matissiano" de color y textura. Son monólogos dedicados al cuerpo, a lo físico y metafísico, a los desgarradores momentos de la tortura y el dolor de la soledad.

Es la pintura de Yamila Comas, serena, madura e intelectual, terrenal y casi esquizofrénica, con un lenguaje personal que apenas nos deja disfrutar de su buen oficio por el poder de su mensaje y el impacto de su simbología. Es por tanto desgarradora en su aspecto e imprescindible en su expresión, como la lectura de un diario sobre la sobrevivencia del ser. Esperamos mucho en su futuro.

Imágenes:
01- Sin Título. 2008. Acrílico sobre lienzo. Yamila Comas
02- El lado oscuro, 2008. Acrílico sobre lienzo. Yamila Comas
03- Sin Título. 2008. Acrílico sobre lienzo. Yamila Comas

viernes, 26 de septiembre de 2008

artetunero: una introducción necesaria



Ya muchos conocerán que de sangre de Las Tunas están conformadas mis venas.

Entre 1989 y 2005, complementaba el desarrollo de mi obra artística con la de profesor de arte en la ciudad, una profesión sacrificada y arriesgada, pero que siempre ofrecí con pasión y entrega, con la mayor recompensa de poder entregar y compartir con los nuevos todo lo que tenía para dotarlos sobre todo de las herramientas, conocimientos, pensamiento crítico, apreciación visual y en parte carencias que había tenido en mi formación. De los estudiantes-amigos y de esa etapa siempre guardo buenos recuerdos y enorme satisfacción sobre todo de aquellos que han logrado más adelante labrarse una trayectoria artística creativa y personal. Del arte joven, virgen y menos contaminado espero siempre tener la misma opinión que entonces. Siempre será un arte transgresor e imprescindible, con nuevos retos y visiones. Ojalá este magazine sirva para promocionar y estimular el arte joven, ese que no ha llegado (por lo menos por el momento) a las grandes galerías y museos y no se mueve por los grandes circuitos del mercado del arte que por un lado permiten universalizar, "re-valorizar" y favorecer al artista y que por otro muchas veces desfavorece a la obra. Ya en la introducción del blog artetuyo que dedico a mi obra digital expuse mis consideraciones sobre el tema.

A Las Tunas, al arte joven tunero, dedicaré cada vez que pueda, una parte de este espacio para en lo posible reconocer el trabajo de aquellos que comienzan con energía y talento.

¡Mañana más!

Imagen:
Fuente de las Antillas. 1977, Rita Longa.
Fotografía: YOel Almaguer

jueves, 25 de septiembre de 2008

Las noches de Van Gogh en el MOMA







"La noche estrellada", una de las obras cumbres de Vincent Van Gogh ha sido de punto de partida para la exposición que el domingo pasado abrió las puertas en el MOMA de New York. Cerca de 30 obras entre pinturas y dibujos conforman la original selección dividida en cuatro temas: Paisajes tempranos, Vida campesina, Siembra y Campos de trigo y Poesía de la Noche.

La exposición es una oportunidad para ver también esa maravilla que es
"Los comedores de patatas" del que también incluyen algunos bocetos y pinturas que rodearon su creación. Las noches de Van Gogh se convierten muchas veces en protagonistas de un estado de ánimo, de un modo de vida, son el llanto y a la vez la belleza de la vida. Las noches de Van Gogh son calma y violencia, inspiración y desahogo, estrellas y cielo, color y pasta pura.

Para aquellos que no podemos acercarnos a la exposición, el MOMA nos regala una excelente web con los textos e imágenes para mostrarnos los detalles de las noches brillantes de Vincent Van Gogh.

Imágenes:
01- "Van Gogh and the Colors of the Night".
Captura de web de la Exposición
MOMA. New York. Sept 21, 2008 - 5 de enero, 2009
02- "La Noche Estrellada", 1889. Vincent Van Gogh
03- "Los comedores de patatas", 1885.
Vincent Van Gogh

Enlaces relacionados:
01- Web de Exposición "Van Gogh and the Colors of the Night" . MOMA >>
02- Van Gogh en la Wikipedia >>

martes, 23 de septiembre de 2008

Julian Schnabel: Vuelta a la pintura



"Julian Schnabel. Pinturas 1978-2003" en el Palacio de Velázquez del Parque del Retiro madrileño, es otra de las exposiciones visitadas anteriormente que he querido comentarles como pretexto para hablar de la obra de este grande de la pintura norteamericana. Grande él, enorme sus cuadros, gigante su obra.

Cuando se profetizaba el fin de la pintura, con la aparición de los minimalistas y conceptualistas, apareció como por arte de magia el poder y el empuje de Schnabel, quien sobre todo inspirado en los mosaicos de Gaudí, comenzó a utilizar fragmentos de platos colocados como fondo de los cuadros, para levantar una vez más la energía de la pincelada en las grandes superficies. Cualquier soporte le era útil para soltar sus emociones con el color. La discontinuidad, la fragmentación en la cultura y en la vida son sus temas recurrentes. Así fue labrando poco a poco el camino con el que la pintura volvió a respirar. Cada época necesita un tipo de arte y un tipo de artista y Julian Schnabel entró en escena justo cuando más se necesitaba.

Propio de su inconformismo habitual, como si no le bastara con sus descomunales lienzos que te hacen sentir pequeño, diminuto ante la violencia gestual de su obra, en los últimos años, además de su pintura, ha logrado insertarse con éxito en el mundo del cine como uno de los más talentosos directores internacionales. Si es así, seguiremos entonces esperando, a estas alturas de su vida, novedades de Julian Schnabel.

Imagen:
Large Girl with no Eyes, 2001. Julian Schnabel

Enlaces relacionados:
Julian Schnabel en la Wikipedia >>
Exposición en Palacio de Velázquez. Parque del Retiro. Madrid. Junio- Sept 2004 >>

domingo, 21 de septiembre de 2008

Richard Estes: Reflejos sojelfeR







Una de las intenciones que me propuse al iniciar el blog es ir comentando poco a poco no solo las exposiciones del momento, sino aquellas que por su relevancia he tenido la posibilidad de visitar en los últimos tiempos, sobre todo en Madrid.

Ese es el caso de la exposición que pudimos ver el año pasado en el Museo Thyssen-Bornemisza del artista fotorrealista norteamericano Richard Estes (Illinois, 1932) . Si agregamos las exposiciones de Chuck Close del que debo un post y las ya comentadas esculturas de Duane Hanson, casi puedo decir que he podido disfrutar con los principales representantes del movimiento hiperrealista norteamericano de los años 70.

En el caso de Richard Estes, es significativo el hecho de que a pesar de su depurada técnica y su acercamiento técnico y temático a sus colegas fotorrealistas, el propio Estes haya reconocido más de una vez que solamente es un pintor con herencia de una larga tradición pictórica de siglos anteriores y no atado a corrientes artísticas de vanguardia.

Una de los aspectos coincidentes en la crítica, es que a pesar de su virtuosismo, nos sumerge con sutilezas en irrealidades apenas reconocibles, con lo que crea un juego visual que nos hace difícil poder confrontarlo con la realidad. Puede parecernos casi una fotografía pero siempre incluye elementos para confundir y por lo tanto para cuestionar la realidad. En sus pinturas casi siempre encontraremos reflejos en vidrieras, automóviles, espejos, sobre todo de su persistente urbe neoyorquina.

Cuando vemos una obra de reflejos tan complejos, casi con certeza podemos asegurar que se debe tratar de una de las reales irrealidades de Richard Estes.

Imágenes:
01- People`s Flowers, 1971. Richard Estes
02- Cabinas telefónicas, 1967-1968. Richard Estes
03- Broad Street NYC, 2003. Richard Estes

Enlaces relacionados:
Exposición de Richard Estes en Museo Thyssen-Bornemisza. 2007 >>
Richard Estes es Wikipedia >>


viernes, 19 de septiembre de 2008

Homenaje a Humberto Solás





Hoy he conocido del fallecimiento de uno de los más grandes directores de cine cubano, Humberto Solás. Desde este magazine quiero rendir especial homenaje a este extraordinario cineasta cubano y universal.

Tuve la suerte de conocer a Solás, en mi etapa de trabajo en Ciudad de La Habana en el grupo VISUAL3, cuando apenas comenzaba a gestar una de sus maravilosas ideas: El Festival Internacional del Cine Pobre, que en su momento era puro riesgo por tener que demostrar que sería un festival diferente al ya clásico Festival de Cine latinoamericano. Era su apuesta por un cine alternativo con la premisa del rigor, el talento y el uso de las nuevas tecnologías con el objetivo de abaratar los costos de producción. Con un pequeño equipo de entusiastas, encabezado por Sergio Benvenuto, no solo echaron a andar el Festival sino que en sus ya 6 ediciones por las que ha transitado, lo han convertido en uno de los mejores acontecimientos culturales de la isla. El spot que acompaña este post fue el que realizamos con enorme placer para la primera edición. Un día como hoy repasas en tu mente todos esos fragmentos de la vida que has podido compartir con una de las más grandes figuras de la cultura cubana.

Su pasión por organizar este festival, demostró que más allá de enfrascarse en sus proyectos personales, lo impulsaba una gran vocación por enfrascarse en proyectos sociales aprovechando su poder de convocatoria.

La noticia que nos ha sacudido hoy, ha sido destacada por los principales diarios españoles y por supuesto de Cuba y Latinoamérica; no es para menos, su obra maestra "Lucía" (1970) figura entre las grandes películas del cine iberoamericano. He querido incluir el celebre cartel realizado para la película por el maestro Raúl Martínez (al que pronto dedicaremos un post), acompañado de fotogramas con las protagonistas de las tres etapas de la cinta: Raquel Revuelta (Lucia I), Eslinda Nuñez (Lucía II) y Adela Legrá (Lucia III).

Su filmografía incluye además otros títulos destacados como "Cecilia" ( 1982-83), "Amada" (1986), "Un hombre de éxito" (1988), la adaptación de la novela de Carpentier "El Siglo de las Luces" (2001), "Miel para Oshun" (2001), entre otros filmes y documentales.

Me quedará para toda la vida su pasión por el cine y el arte en general, pero sobre todo la buena amistad que nos brindó, que nos hará recordarlo como un hombre sabio, limpio, transparente y humano.
¡Gracias por todo Solás!










Imágenes:
01- Humberto Solás. Fotografía de Roberto Morejón
02- Primer festival Internacional del Cine Pobre. © VISUAL3. 2003
03- Lucía. Cartel de Raúl Martinez. realizado con la técnica de Silkscreen
04- Raquel Revuelta. Fotograma de Lucía de Humberto Solás
05- Eslinda Nuñez. Fotograma de Lucía de Humberto Solás
06- Adela Legrá. Fotograma de Lucía de Humberto Solás

Enlaces relacionados:
Humberto Solás en Wikipedia
www.festivalcinepobre.org

miércoles, 17 de septiembre de 2008

Robert Longo: En blanco y negro





En 1990 en el Wadsworth Atheneum de Hartford, Connecticut, visité una exposición de Robert Longo (Brooklyn, New York, 1953) considerado uno de los artistas norteamericanos más importantes en ese momento. Aunque la serie de obras "Men in the Cities", me sigue pareciendo la más trascendente de su carrera, sus dibujos continúan siendo tan originales como impresionantes, sobresaliendo por su monumentalidad y oficio.

Sus obras realizadas con carboncillo, se reconcilian con la tradición del dibujo no como recurso técnico sino como resultado. Son piezas limpias con ideas claras, donde hay un elemento protagónico en el primer plano y un vacío total en el segundo, creando una atmósfera de soledad, depresión y densidad impactante.

Es Robert Longo un artista de vocación y concepto universal, que detrás de la sutileza de sus propuestas aprovecha el dibujo, tan poco común y subvalorado en el tren de la historia del arte, como arma para tocar nuestras almas. Mucho se le agradece.

Imágenes:
Dibujos de la serie Men in the Cities. Robert Longo

Enlaces relacionados:
www.robertlongo.com
Robert Longo en Wikipedia (inglés) >>

Robert Longo en www.artnet.com >>

lunes, 15 de septiembre de 2008

Tributo a Wright



La música y la experimentación han perdido hoy uno de los grandes, Richard Wright, uno de los fundadores de mi sonido favorito: Pink Floyd. Nos queda para siempre su música.
Le dedico esta imagen como homenaje.

domingo, 14 de septiembre de 2008

Man Ray: más que fotografía





Cuando comentamos la exposición "Duchamp, Man Ray, Picabia" en el MNAC, dejamos para más adelante, por su particularidad, el comentario sobre el gran fotógrafo norteamericano. Hoy comentaremos por encima algunos datos esenciales de su trayectoria.

Man Ray (1890-1976), fue un innovador total. Sus aportes son todavía herramientas comunes en los laboratorios y a él se le debe en alto grado haber convertido la fotografía a la categoría de Arte. La experimentación parecía formar parte de su personalidad, tanto como lo hacían en su momento sus amigos surrealistas y dadaístas. Así, pintó sobre cristal y otras superficies con aerógrafo; realizó lo que llamaban rayogramas (objetos colocados sobre el papel sensible a la luz), solarizaciones (invirtiendo los márgenes de luz y sombra), películas, collages y como no podía ser de otro modo, también los famosos ready made.

Valía la pena hacer una mención especial a la figura de Man Ray, que por su talento y espíritu se convirtió en la mayor referencia de la fotografía artística de la vanguardia del siglo XX.

Imagen:
01 - Autoretrato con cámara, 1932. © Man Ray Trust/ADAGP, Barcelona 2008

02 - Érotique voilée. 1933. © Man Ray Trust/ADAGP, Barcelona 2008

Enlaces relacionados:
www.manraytrust.com

Man Ray en Wikipedia >>

viernes, 12 de septiembre de 2008

REMBRANDT




Sólo Rembrandt, sólo Rembrandt, sólo Rembrandt.
Sólo Rembrandt, sólo Rembrandt, sólo Rembrandt.
Sólo Rembrandt, sólo Rembrandt, sólo Rembrandt.
Sólo Rembrandt, sólo Rembrandt, sólo Rembrandt.
Sólo Rembrandt, sólo Rembrandt, sólo Rembrandt.
Sólo Rembrandt, sólo Rembrandt, sólo Rembrandt.
Sólo Rembrandt, sólo Rembrandt, sólo Rembrandt.
Sólo Rembrandt, sólo Rembrandt, sólo Rembrandt.
Sólo Rembrandt, sólo Rembrandt, sólo Rembrandt.
Sólo Rembrandt, sólo Rembrandt, sólo Rembrandt.
Sólo Rembrandt.
Rembrandt

Rembrandt Harmenszoon van Rijn (1606-1669)


Imágenes:
01 - "Autoretrato" (1669). Rembrandt.
02- "La lección de anatomía del Dr. Nicolaes Tulp" (1632). Rembrandt.
Tomadas de www.geheugenvannederland.nl

jueves, 11 de septiembre de 2008

¡Pronto Bacon en Madrid!



Se agradece la poco común repercusión en los medios de la exposición FRANCIS BACON, que precisamente se inauguraba hoy en la Tate Britain. Lo mejor de las noticia es que a continuación la muestra se trasladará al Museo del Prado de Madrid, así que "espero con desespero", el todavía lejano 3 de febrero del próximo año, para acudir a la cita con los escandalosos gritos pictóricos del dragón Bacon.

Ya contaremos los detalles de tan impresionantes obras, por el momento para ir abriendo boca les dejo el enlace a la web de la exposición en Londres.

Como en el caso de la exposición de Duchamp, Man Ray y Picabia: ¡Todo llega!

¡Mañana más!



enlaces relacionados
Web de Exposición Francis Bacon en Tate Britain >>
Artículo El País >>
Fotogalería El País >>
Artículo El Periódico >>
Artículo El Mundo >>
Artículo Público >>


Crédito imágenes:
01- Banner promocional. Tomado de www.tate.org.uk
02- Obra de Francis Bacon. Tomada de El País

miércoles, 10 de septiembre de 2008

Teoría del Color por Claudia Cortés



Numerosos estudios se han realizado sobre la psicología del color; libros, manuales y fundamentos teóricos rodean al tema, pero la mayoría están realizados para estudiosos o profesionales. En 2003, para la Tesis de Maestría en Diseño de Gráficos por Computador del Rochester Institute of Technology, la diseñadora colombiana María Claudia Cortés, realizó un original minisite para descubrirle al más común de los mortales, muchas de las claves del simbolismo del color.

Con una interface clara realizada en flash, María Claudia nos abre las puertas para comprender de forma divertida los colores, a través de situaciones simpáticas, sus elementos positivos y negativos, sus análogos, complementarios, el concepto en diferentes culturas, entre otros aspectos.

No por tener algunos años, quería dejar de recomendar este excelente sitio que se mantiene tan útil y recomendable como el primer día.

¡Mañana más!



Enlace comentado e imágenes tomadas de:
www.mariaclaudiacortes.com

martes, 9 de septiembre de 2008

Jackson -dripping - Pollock



Cuando pensé en escoger una imagen representativa para la imagen de cabecera del blog, no dudé en escoger un fragmento de una obra de Jackson Pollock (Wyoming, 1912 - 1956) uno de los más importantes representantes del expresionismo abstracto norteamericano.

"Las nuevas artes necesitan nuevas técnicas", bajo ese principio Pollock basó la parte más importante de su obra, volcó la pintura del caballete al suelo y en ellos desbordó toda su energía, su acción: su "action painting". Volcó con rabia todo el trance inspirativo que da la espontaneidad, paradojicamente más calculada en su esencia de lo que a primera vista se puede pensar.

"Jack, el destripador" como también le conocían, no solo colocó el lienzo en el suelo sino que en su descarga pintaba también caminando a su alrededor, de modo que en una misma obra podemos ver cientos de nuevas obras. En sus "dripping" utilizaba cualquier recurso para chorrear y soltar por los aires la pintura hasta la superficie. Por original que pueda parecer el propio Pollock establecía un paralelo de su técnica a los indios del oeste en sus pinturas en la arena.

Las ocasiones que en alguna exposición, he podido compartir con obras de Jackson Pollock, siento que me reencuentro con la esencia de la pintura, hecha con pasión y energía, esa energía vital y necesaria tan difícil de trasladar a un lienzo virgen tirado en el suelo.

¡Mañana más !

Enlaces relacionados:
Jackson Pollock en Wikipedia >>
Retrospectiva en el MOMA (1998-1999) >>
www.jacksonpollock.org - Sitio interactivo para crear obras online al estilo de Pollock -muy divertido -

Imagen:
No. 5, 1948. Jackson Pollock. Tomado de Wikipedia

lunes, 8 de septiembre de 2008

Kitsch - Koons





Quiero aprovechar la controversia suscitada en el Palacio de Versalles, templo del más puro conservadurismo y glamour, por la exposición del artista norteamericano Jeff Koons (Pennsylvania, 1955) para comentar brevemente de su polémica obra.

Heredero directo de las peripecias de Duchamp y Warhol, Koons es considerado por muchos el más influyente artista de la década de los 80. Se aprovecha de la banalidad del consumismo y de la cultura popular para convertir lo más común en una especie de objetos de culto, incluso a partir de los propios escandalos sensacionalistas de su vida. Utiliza los más estridentes objetos kitsch, iconos pop, la publicidad más evidentemente superflua, tonta y manipuladora para reirse de ella y exagerarla. Muchas de sus piezas alcanzan grandes dimensiones convirtiéndola en esculturas seductoras para el gran público.

Muchas de sus obras han alcanzado una gran celebridad. Precisamente frente al Museo Guggenheim de Bilbao que ayer comentabamos se encuentra su floripondioso "Puppy". Son conocidas también "Michael Jackson and Bubbles", las explicitas pinturas y esculturas "Made in Heaven", y su variada serie de inflables cromáticos, entre otras.

Es Jeff Koons, un artista necesario, reaccionario e irónico que cuestiona en estos tiempos una vez más el camino del arte.
¡Mañana más!

Imágenes:
Foto 1: "Michael Jackson and Bubbles". porcelain, 1988
Foto 2: "Puppy" . Tomado de Wikipedia. Fotografía: Noebse.


Enlaces relacionados:
www.jeffkoons.com

Web de la Exposición en el Palacio de Versalles >>
Jeff Koons en Wikipedia >>
Galería de la serie "Made in Heaven" >>
Fotogalería de la exposición. Tomado de NYTimes >>
Fotogalería de la exposición. Tomado de El Mundo >>

domingo, 7 de septiembre de 2008

Frank Gehry: arte y arquitectura





Uno de los arquitectos más singulares del panorama internacional es Frank Gehry. Su énfasis en mantener la dualidad arte-función no deja de ser un reto y un atrevimiento considerable por los riesgos que esto implica, sobre todo tratándose de edificios públicos donde tantas críticas siempre pueden salir a la luz.

Uno de los elementos más destacados de sus proyectos es la utilización de materiales tecnológicamente avanzados, posiblemente uno de los aspectos que más celebridad le haya dado, unido por supuesto a su indudable creatividad a base de formas sinuosas, lineas y planos irregulares. Muchas de sus obras son verdaderas esculturas monumentales, sin descuidar los aspectos técnicos y de ingeniería, de modo que es difícil definir donde empieza el arte y donde la arquitectura.

Entre sus proyectos más conocidos están el Museo Guggenheim de Bilbao, España; la Sala de Conciertos Walt Disney y el Museo Aeroespacial en California; la Casa Danzante en Praga y el Experience Music Project: un museo sobre la historia del Rock en Seatle.

Gehry ha cambiado las reglas tradicionales de la arquitectura y las ha interpretado a su manera, logrando que sus proyectos tengan una continuidad y una linea personal que nunca pasará inadvertida.

¡Mañana más!

Imagenes:
01: Museo Guggenheim de Bilbao. Foto de Georges Jansoone. Tomado de Wikipedia
02: Bocetos iniciales para el Puente de Vida. Panamá. © Frank Gehry

Enlaces Relacionados:
www.foga.com - Estudio de Frank Gehry
Frank Gehry en Wikipedia >>
Web del Documental: Sketches of Frank Gehry de Sidney Pollack >>

sábado, 6 de septiembre de 2008

Matte Painting: arte e ilusión





Desde los mismos inicios del cine una de las técnicas más utilizadas es el Matte Painting que gracias al desarrollo de programas 2d, 3d y de postproducción digital ha recibido un fuerte impulso en los últimos años. Esta técnica se encarga de sustituir o mezclar fondos reales con "falsos" para crear escenas que de otro modo sería difícil o imposible de filmar.

Algunos artistas destacan como verdaderos talentos de la técnica y son contratados para trabajar en las grandes superproducciones, entre los que sobresalen Yanick Dusseault (DUSSO) y Dylan Cole presentes en filmes como "El Señor de los Anillos", "La Guerra de las Galaxias", "Piratas del Caribe", "Narnia", "Sky Captain", entre muchas otras. Estos creadores logran traducir en imágenes las surrealistas, subjetivas y siempre difíciles ideas que les proponen como reto los guinistas y realizadores.

Buscando recursos para la introducción sobre el tema, he encontrado las dos imágenes superiores y un vídeo que ilustran los detalles y el resultado de la técnica. Podrán comprobar que aquello que vemos como algo natural implica un nivel de dificultad muy alto y sobre todo la mano de artistas de una técnica impresionante. Siempre es bueno saber algo más de lo que se esconde detrás de las cámaras. ¡Mañana más!


Imagen 1 - 2: Fotograma original y final para secuencia de El señor de los Anillos. Dusso. New Line Cinema.
Vídeo: Demo reel. Dylan Cole Studio.

Enlaces relacionados:
www.dusso.com
www.dylancolestudio.com
www.mattepainting.org

jueves, 4 de septiembre de 2008

Especial BCN: Utamaro, Hokusai y mucho más



Como he comentado anteriormente, en nuestra reciente visita a Barcelona el pasado mes de agosto, uno de los objetivos era conocer las obras de Gaudí. La visita a la Casa Milá o la Pedrera como también se le conoce nos deparó una sorpresa mayúscula: la exposición "Ukiyo-e, imágenes de un mundo efímero" de grabados japoneses de los siglos XVIII y XIX. La muestra que se expone hasta el 14 de septiembre, está dividida en cinco grandes áreas temáticas: teatro, bellezas femeninas, parodia, erotismo y paisaje, a través de sus ukiyo-e, una de las técnicas más conocidas de todo el grabado oriental.

Sobresalían entre los autores Harunobu, Koeyusai, Kiyonaga, pero lo que me seducía enormente era ver las obras de Utamaro y Hokusai, sobre todo la famosa "Bajo la ola de altura en Kanagawa", más conocida como La ola de Hokusai y que tanta cautivación e influencia tuvieron en los impresionistas franceses. La obra es realmente una imagen bellisima y como el resto de las estampas de una asombrosa factura.

Hay que destacar, que los responsables se han esmerado además en ofrecer una valiosa información didáctica para poder conocer los detalles de la técnica a través de material audiovisual y muestras reales de maderas y herramientas. Sin dudas, una exposición imprescindible que recomiendo a todos aquellos que se acerquen a Barcelona...

DATOS DE LA EXPOSICIÓN:
Ukiyo-e, imágenes de un mundo efímero. Grabados japoneses de los siglos XVIII y XIX de la Bibliothèque Nationale de France

Lugar: Sala de Exposiciones de La Pedrera.
Passeig de Gràcia, 92. Barcelona

Tel: 902 400 973
Horarios: De lunes a domingo, de 10 a 20 h. Acceso gratuito
Fecha: Del 17 de junio al 14 de septiembre de 2008

Datos de la obra:
La gran ola de Kanagawa. Katsushika Hokusai (1760-1849)

Sitios relacionados
Web didáctica de la exposición >>

Obra social La Caixa. Sitio de la exposición >>

miércoles, 3 de septiembre de 2008

Sebastião Salgado | Drama en el lente



Hace cerca de 20 años tuve la posibilidad de ver en La Habana, Cuba, una retrospectiva de la obra del fotógrafo brasileño Sebastião Salgado (Brasil 1944). Su obra es reconocida como una de las más importantes en la historia de la fotografía. Por encima de los más prestigiosos reconocimientos internacionales sobresale su visión de captar la parte más oscura y desgarrada del drama humano.

Sus fotografías de cientos de mineros como las que acompañan el post muestran otro angulo desde y hacia donde enfocar el lente, son una denuncia evidente, el grito de los que no pueden hacerlo, sus obras en blanco y negro son visualmente tan impactantes y refinadas que es paradójico que se hayan producido en escenarios tan terribles. Con el paso del tiempo Salgado ubica su obra, precisamente en aquellos lugares donde entre conflictos y pobreza, sobrevive la parte menos mediática de la humanidad.

Las fotografías de Sebastián Salgado, son inspiración y referencia de varias generaciones de fotógrafos de todo el mundo. Sirva este post como homenaje a su extensa e imprescindible trayectoria artística y humana.

Datos de las obras:
Foto01- The Serra Pelada gold mine. Brazil, 1986. © Sebastiao Salgado
Foto02- Transporting bags of dirt in the Serra Pelada gold mine. Brazil, 1986. © Sebastiao Salgado
Foto03- The Serra Pelada gold mine. Brazil, 1986. © Sebastiao Salgado






Enlaces relacionados:
www.sebastiensalgado.com
www.terra.com.br/sebastiaosalgado

www.amazonasimages.com

martes, 2 de septiembre de 2008

PIXAR - Magia en 3D



En el año 1995 comencé a trabajar profesionalmente en el campo del diseño y el mayor peso del trabajo eran representaciones arquitectónicas en 3D. En aquellos momentos que buscábamos referencias internacionales (nacionales apenas había), recuerdo que logramos tener en nuestras manos una copia, de una recopia, de una recontracopia, de ... un vídeo, en el que había fragmentos de cortometrajes y spots de publicidad, entre los que destacaba por su creatividad PIXAR. Desde entonces nunca le perdimos el rumbo y a día de hoy ya consagrados totalmente como la mayor compañía, con permiso de Disney (por su inevitable unión comercial) es imposible no estar atento a su última producción, tanto de largometrajes como de sus geniales cortos producto de su ya larga tradición.

Con una lista interminable de obras maestras en el género, sus producciones han trascendido tanto por la originalidad de sus guiones como por su exquisita factura, convirtiendo cada nuevo trabajo en un éxito total de recaudación. Lo que apenas comenzó en un pequeño estudio hoy es una enorme multinacional que por suerte para todos no ha perdido la esencia de revelarnos obras de un insuperable talento técnico y sobre todo creativo.

La última de las películas que pude disfrutar fue "WALL-E". Sus primeros 20 minutos me parecieron memorables, todo un homenaje a la historia del cine, donde ya por derecho propio PIXAR ha entrado. Ya espero con impaciencia la próxima obra maestra.

!Nos vemos!.. ¿en el cine?

Enlaces Relacionados:
www.pixar.com

Trailer Wall-e

lunes, 1 de septiembre de 2008

"Entendiendo" a Duchamp



Vita brevis, ars longa
Hipócrates

A propósito del post de Duchamp sobre los ready-made, un amigo me comentaba un criterio bastante generalizado, esperando que cada vez menos, de no considerar el urinario "Fountain", por citar una obra en particular, como arte.

Partiendo de que en la apreciación artística tiene un enorme peso el gusto personal y que intento no exponer mis criterios con el animo de cambiar el de la otra persona, sino simplemente despertar el interés en el arte más experimental, menos contemplativo, confieso que siempre resulta para mí una tarea extremadamente difícil. Siempre aclaro, que en mi caso soy un admirador de toda la historia del arte sin prejuicios de épocas, movimientos, países, artistas, técnicas o géneros. El arte ha sido y es tan imprescindible para la vida, que su valor por sí mismo es suficiente para admirarlo en cualquier situación y con los argumentos que se hayan realizado.

El "arte de vanguardia" es tan extenso y complejo que es muy difícil en una conversación de apenas unos minutos poder abarcar la enorme tela de araña que representa. Hasta llegar al siglo XX la mayoría de los movimientos artísticos demoraban cientos de años en generarse, crecer y establecerse, los que lo lograban. En el caso del arte moderno, las rupturas eran tantas que hacía imposible mantenerse al tanto de todos los movimientos artísticos que se manifestaban al mismo tiempo. La historia siempre se alimenta de la propia historia, sea para afirmarla o negarla con rotundidad. En la mayoría de los casos conscientemente o no, el arte vanguardista procuraba un arte diferente y que por consiguiente necesitaba una apreciación diferente, por lo que es imposible enfrentar y "entender" a Duchamp de la misma forma que lo hacemos frente a una monumental obra de Durero, Velázquez, Ingres, Delacroix ... Ya no vamos a ver (por lo general) una obra de oficio en los detalles, de equilibrio, grandes perspectivas, escorzos imposibles; nos vamos al patio lleno de hierbas, a la basura escondida debajo de la cama, a la sala de cine sucia y olvidada del barrio. Vamos a convertir los objetos, la realidad que se vive, día a día, en arte. No solo importa el resultado, también importa el medio, el proceso, el hecho artístico. Al extremo de incluso, de darle validez a lo que alguien adelantó: ¿Porque no todos somos artistas?

Les dejo una magnífica web, que precisamente tiene la intención mediante una línea de tiempo, de presentar los procesos, el origen del porqué un día Marcel Duchamp decidiera trasladar un urinario de su entorno funcional a una galería, como obra de arte:

http://www.understandingduchamp.com